Cuma, Ağustos 23

Takashi Murakami’nin Kendi Kaleminden: Takashi Murakami

Google+ Pinterest LinkedIn Tumblr +

Takashi Murakami, CNN Style’ın konuk editörü oldu ve sanatını anlattı. Sanatçının, bugün bulunduğu yere gelene kadar üretimini şekillendiren unsurlardan bahsettiği kapsamlı yazısını, Artkolik okurları için çevirdik.

Gökçe Günaydın

Sanatımın kökeni, Japonya’nın II. Dünya Savaşı’nı kaybettikten sonra kendini yeniden inşa ettiği dönem olan 1970’lerin ilk yarısındaki deneyimlerime dayanıyor. O dönem ülke bir diriliş ruhu içindeydi. Batı resimleri ülkeye getirildi ve sergilere gitmek çok popüler bir eğlence haline gelmişti. Her pazar, ailem bizi bu işleri görmeye götürürdü ve ben de bu deneyimden tiksinirdim.

Sanatçının Çocukluğu (Murakami Arşivinden)

Çocukken, tablolara bakmak kesinlikle sıkıcıydı. Bununla ilgili ilk aklıma gelen, 8 yaş civarında, sadece İspanyol sanatçı Francisco Goya’nın Tokyo’daki bir müzede resmini görmek için ailemle birlikte üç saat boyunca beklemek zorunda kalmamdı. Eser, Titan Cronus’un (veya Satürn) kendi çocuklarını yerken tasvir eden yapıttı. Görüntü benim için unutulmazdı ve daha sonra birçok gece beni rahatsız etti. Bence bu derin deneyim ya da travma, resim yapma eylemimin temelini oluşturdu. Bana, eğer işim insanları harekete geçirmezse ve bir “vay!” yaratmazsa, o zaman hepsinin boşuna olduğunu öğretti.

Takashi (solda) ve Ailesi (Murakami Arşivinden)

Ancak ilkokula başladığımda manga okumak ve TV anime izlemek benim için daha önemli hale geldi. Artık ailem tarafından resimlere bakmaya zorlanmıyordum. “Ultraman” robot anime ve spor temalı manga ile boks ve beyzbol konularına yoğunlaştım. Bu deneyimlerin, resim ve heykellerin yanı sıra, şimdi nasıl film ve animasyon yaptığımla da ilgisi olduğuna inanıyorum.

Francisco Goya, Oğlunu Yiyen Satürn, 1820-23.

Yedinci sınıfta, yolda bir çukura düştüm. Sağ elimde bazı kemikleri ve kafatasımı kırdım. Bir ay boyunca okula gidemedim ve ardından akademik olarak yetişemedim. Eğitim göremediğim ve sabırsızlıkla beklediğim hiçbir şeyin olmadığı bir akademik geçmişe sahip bir liseye gittim. Animasyon ve mangaya daha da yoğunlaştım ve sonunda “otaku” da denilen bir çeşit geek’e dönüştüm.

Lise son sınıfta, üniversitelere başvurmak üzere öğretmenim ile görüştüm ve bana bunun mümkün görünmediğini söyledi. Akademik başarılardan bağımsız olarak öğrencileri kabul edecek bir sanat üniversitesine gitmekten başka seçeneğim olmadığını düşündüğümde, eğitimden tamamen vazgeçip tam teşekküllü bir “otaku” olma yolunda ilerledim.

O zamanlar Japonya’da “Yıldız Savaşları” yayınlandı. Filmden etkilenen bilim kurgu animasyonları ve mangalar bu güne kadarki yaratıcı çalışmalarımı besledi. Aynı zamanda, şu anda animasyonun maystrosu olan Hayao Miyazaki’nin ilk TV animasyonu “Future Boy Conan” ı yönettiğini hatırlıyorum. Animasyonlarının tasarımları çok basit olsa da, böyle karmaşık duyguları iletebildiler. Miyazaki’nin dünya görüşü beni büyüledi.

Sanat üniversitelerine giriş sınavlarında başarısız oldum, tekrar başvurmak için iki yıl harcamak zorunda kaldım. Bu süre zarfında, bir hazırlık okuluna gitmek için 5:30’da uyanırdım ve 17:00’da çıktıktan sonra, arkadaşım ve ben başka bir öğrencinin yerine gidip gece yarısına kadar çizer ve boyardık. Sonunda bir sanat üniversitesine kabul edildim, ancak içeri girebilmek için rekabetçi bir konuyu seçmek ve geleneksel 20. yüzyıl Japon resminin ya da “Nihonga” nın tarihini incelemek zorunda kaldım. Bu bölüm çok sıkıcıydı ve her gün orada olmaktan nefret ediyordum.

Takashi Murakami

O zamana kadar, Japonya, sözde ekonomik balonun tam ortasındaydı ve birçok çağdaş sanat eseri ithal edildi ve yeni yaratıcı ifade biçimleri olarak sunuldu. Doğal olarak, bu son derece sanatsal biçime çekildim. “Yeni Resim” sanatçılarından (özellikle Anselm Kiefer ve Sigmar Polke) büyük ölçüde etkilenen Shinro Ohtake’nin eserlerini sergiledikten sonra, bir çekiçle vurulduğumu hissettim. “Çağdaş sanat nedir?” Sorusunu saplantılı olmaya başladım.

Çağdaş sanatın henüz yeni ithal edilmeye başlandığı Japonya’da atıfta bulunacak otoriter metinler olmadığı için, New York’a gidip Modern Sanatlar Müzesi’ni ziyaret etmekten başka seçeneğim olmadığına karar verdim. MoMA o zamanlar Anselm Kiefer’in retrospektifine ev sahipliği yapıyordu. “Osiris ve Isis” adlı resminden çok etkilenip gözyaşı döktüm. Jeff Koons da Sonnabend Gallery’de bir sergi yaptı ve onun ünlü porselen Michael Jackson heykelini gördüm. Bunun önemini veya değerini bile anlayamamıştım.

Anslem Kiefer, Osiris ve Isis, 1985-87.

New York’a taşındıktan sonra bu sanat sahnesine daldım, ancak o zamana kadar hor gördüğüm Nihonga tarzı, sanat çalışmalarımın temeli haline gelmişti. O andan itibaren, sanatın arka planını ve üretimini, “Savaş Sonrası” kavramını kullanarak, savaş sonrası Japonya’nın kültürel çıkmazıyla tamamen düz bir yüzey yaratan resim tarzını kaplayarak ortaya koyduğum kavram olan “Superflat” terimini kullanarak tutarlı bir şekilde açıkladım.

2011’de Japonya’yı vuran deprem ve tsunami benim için büyük bir dönüm noktasıydı. Doğal bir felaket nedeniyle on binlerce insanın bir anda ölebileceği gerçeğiyle karşı karşıya kaldıklarında, neden Japonya’da insanların tek tanrılı dinler yerine çok yönlü tanrılara inandıklarını anladım. Budizm’deki aydınlanmış figürler olan 500 arhat’ın ibadetine özel bir ilgi duydum ve ifadelerin kapsamını genişletmeye başladım. Bu temayı kullanarak 100 metre uzunluğunda bir çalışma yaptım.

Takashi Murakami, 500 Arhat (detay), 2015.

Çağdaş sanat hakkında iyi bir anlayışa sahip olduğumda, antika toplamaya da başladım. Neden insanların topladığımızı ve özellikle neden sanat topladığımızı bilmek istedim. Çok geçmeden koleksiyoncu bir bağımlı oldum. Bir sanat eseri bulduğumda, beynimin sanatçının fırça darbeleri ve kalem izleri gibi eserin ayrıntılarıyla senkronize edildiği çok garip bir illüzyon yaşıyorum. Hong Kong’da açılan en son sergim olan “Murakami vs Murakami” nin tuhaf sanat koleksiyonumun eşyalarına adanmış bütün bir odası var.

Halen, üzerinde çalıştığımız projelere bağlı olarak 200 kadar çalışanı olan bir şirket işletiyorum. İlk başta, boya asistanım olarak birkaç kişiyi istihdam ediyordum, ancak maaşları için vergi ödemek zorunda kaldım, bu yüzden bir muhasebeci tuttum ve sonra insan kaynakları için birisini işe almak zorunda kaldım çünkü birçok insan gelip gidiyor, ve bunun gibi. Başlangıçta her gün zar zor yemek yedik ama sıradan bir küçük şirket haline geldik. Bu benim için çok stresli bir durum çünkü sanat üretme ve bir şirketi yönetme işi birbiriyle tamamen çelişiyor.

Murakami ve Asistanları

Resimlerimin her birinin arkasında, yapımına katılan personelin bir listesi var. Niyetim, çalışanlarım ve ben gittikten uzun bir süre sonra bu sanat eserlerini yapmada yardım isteyen herkesin araştırma yapmasını sağlamak. Bununla birlikte, asistanlarımla işbirliği yaparak çalışarak emekimi ve yaratıcılığımı sömürdüğüm için beni sınırsız kılan eleştirilerim var.

Film ve müzik prodüksiyonları işbirliğine dayalı süreçler olarak kabul edilir, ancak bir resmin yalnız bir sanatçı tarafından yaratılması gerektiği varsayımı devam eder – tarihsel olarak, Michelangelo gibi sanatçılar çalışmalarını atölye ortamında yapmış olsa bile.

“Murakami vs Murakami”, 1 Eylül 2019 tarihine kadar Tai Kwun Kültür ve Sanat Merkezi’nde (Hong Kong) sergilenecek.

Paylaş